Attore e/o Performer: Riflessione in forma scenica nella Biennale di Antonio Latella

Antonio Latella ha presentato il programma della Biennale Teatro 2018. Dopo aver dedicato il primo atto della sua direzione alla regia declinata al femminile, in questo secondo le luci della ribalta sono concentrate sull’attore e il performer.

Lo stesso Antonio Latella afferma che i confini delle arti si fanno sempre più labili tanto da risultare confusi, annebbiati, sbiaditi. Molti già adottano il termine onnicomprensivo Live Arts, soluzione che tendenzialmente mi trova favorevole.

Eppure se sulla convergenza dei linguaggi delle arti dal vivo pochi hanno da obiettare, molto più dibattito accende la questione dell’attore performer.

Cosa è uno e cosa è l’altro? Possono travalicare i rispettivi ambiti? L’attore è performer e viceversa? Domande queste che possono non solo moltiplicarsi ma che per molti versi non hanno risposta univoca, sempre che ne abbiano una.

All’origine le cose erano chiare: rappresentazione da un lato, pensiero non rappresentativo in azione dall’altro. Ma anche qui le cose si sono confuse. Spesso assisto a eventi denominati performance che potrebbero essere tranquillamente altro, così come l’azione degli artisti coinvolti potrebbe benissimo essere l’azione di un danzatore o di un attore.

Il Leone d’oro dato alla coppia Rezza/Mastrella va proprio in questo senso: quello di Rezza è teatro? E lui è un attore? Onestamente la tensione a definire mi è abbastanza estranea. Ritengo che l’artista usi quello che necessita in base a quello che vuole dire. Se un coreografo per un lavoro necessita anche di attori e performer: buon per lui, soprattutto se il risultato del lavoro gli da ragione.

In una recente conversazione con Roberto Castello (Cfr. http://www.enricopastore.com/2017/10/20/intervista-roberto-castello/ ) si parlava proprio di questo e della possibilità, per necessità espressive, che l’artista usi qualsiasi strumento e qualsiasi registro possibile.

Il problema infatti, a mio modo di vedere, non è tanto nella questione attore e/o performer quanto piuttosto nell’interazione tra arte dal vivo e comunità/pubblico e nella funzione che le Live arts assumono nel contesto in cui operano.

La relazione tra la scena, nel senso più ampio del termine, e la comunità che assiste (pubblico è parola che mi repelle) si sta deteriorando, in quanto molto spesso si suppone che il transito di senso sia dato come acquisito anche quanto non lo è. E come diceva Artaud :”Se per esempio la folla contemporanea non capisce più Edipo Re, oserei dire che è di Edipo Re la colpa, non della folla”,

Quello che non è per nulla chiaro non è tanto se abbiamo di fronte un attore o un performer, cosa che interessa più che altro gli addetti ai lavori, ma quale sia la funzione della scena, qualsiasi declinazione essa abbia, rispetto alla comunità che si convoca e quale relazione debba sussistere tra i due ambiti. Qui le cose si fanno veramente confuse.

Certo da studioso di teatro mi interessa alquanto scoprire le diverse manifestazioni, le tecniche e i materiali che distinguono o accomunano l’attore e il performer, ma per il pubblico queste sono questioni di lana caprina. A quest’ultimo interessa che la scena lo tocchi, gli dica qualcosa, scuota il suo mondo o lo rafforzi, cerca risposta alle sue domande e alle sue ansie o per lo meno ricerca un rispecchiamento tra la propria vita e quanto avviene di fronte a sé. Cerca, in ultima istanza, una relazione. Se manca tale connessione, se tra azione scenica e comunità/pubblico non c’è dialogo, importa poco che ad agire sia un attore o un performer.

Per esempio: rispetto a Educazione sentimentale di Kronoteatro presente in una delle mini personali in programma e visto l’anno scorso al Festival delle Colline Torinesi, poco mi importa che in scena ci siano semidilettanti, importa che in lavoro non funzioni e si dibatta, senza risolversi, in bieche banalità. Ora questo lo dico non perché mi voglia scagliare contro Kronoteatro che è un gruppo che agisce nel panorama italiano con intensa onestà, ma solo perché, secondo la mia opinione di studioso di teatro, il lavoro, quel lavoro. non funziona per niente. Non sono i performer ma la concezione e composizione del lavoro, così come il registro e il linguaggio usato.

Lo stesso si potrebbe dire di molte performance viste a Santarcangelo nella scorsa edizione. Certi lavori mancano di struttura, di funzione e, peggio di tutto, non cercano di instaurare una relazione con la comunità /pubblico che si raccoglie intorno al lavoro.

Ci si pone sempre più spesso il problema del pubblico e di come riportarlo a teatro e ci si interroga molto meno intensamente sul perché questi si disaffezioni dalla scena cosa che forse dovrebbe essere al centro del dibattito. E così magari si risolverebbe rebus tanto in voga in questi ultimi anni dell’audience engagement.

Ma forse questo sarà argomento del terzo atto della direzione artistica di Antonio Latella e stiamo solo anticipando i tempi.

Dopo questa premessa, a mio modo di vedere necessaria e prima di concludere, diamo una scorsa al programma che appare interessante e di alto livello, come nella scorsa edizione della Biennale Teatro.

Innanzitutto tornano le mini-personali, piccoli trittici che attraversano trasversalmente alcuni autori invitati (Oltre a Rezza/Mastella, Vincent Thomasset, Clement Leyes, Giselle Vienne, Thom Luz, Jakop Ahlbom e i già citati Kronoteatro); in seconda battuta si può notare una panoramica trasversale nelle più diverse branche delle Live Arts: circo, burattini, giocoleria, performance art, teatro e danza. Così come un occhieggiare al genere soprattutto noir e crime.

Si segnalano i lavori dello svizzero Thom Luz che a suo modo sperimenta nuovi percorsi nel teatro musicale, così come quelli del francese Clement Layes che naviga sui confini tra circo e coreografia. L’olandese Devy Pieters invece esplora l’interazione tra scena e video in una crime story in cui coinvolge esperti forensi della polizia; Giselle Vienne intesse la storia del serial killer americano Dean Corll con i suoi inquietanti burattini. E poi ovviamente i Leoni d’argento Anagoor con la loro versione dell’Orestea. Questo solo per accennare alcuni degli artisti che animeranno il programma del festival. Per il programma completo rimando al sito della Biennale http://www.labiennale.org/it/teatro/2018 ).

Questa edizione della Biennale Teatro in scena a Venezia dal 20 luglio al 5 agosto sotto la direzione di Antonio Latella si prospetta dunque curiosa e di alto livello e porta all’attenzione del pubblico italiano artisti poco conosciuti sulle scene nazionali. Allargare i confini dello sguardo e ampliare un confronto con la scena europea è un merito indubbio di un grande festival. Ora tocca ai lavori parlare e scoprire in che modo sapranno relazionarsi con il pubblico, ma per questo non resta che attendere la prossima estate.

KRONOTEATRO Educazione sentimentale

Questa Educazione sentimentale di Kronoteatro ieri sera al Festival delle Colline Torinesi è l’esempio più fulgido di ciò che si dovrebbe evitare sui palcoscenici.

Progetto e realizzazione viziati da mali diversi che conducono alla medesimo naufragio della scena. Partiamo dal primo

Tre uomini in tre villette a schiera separate. Località di mare. Tra loro solo banali interazioni, luoghi comuni, abitudini e cliché, sostenuti da diffidenza e sospetto reciproco. Tra loro si inserisce una giovane donna, a risvegliare possibilità diverse. Poi la rapacità ha il sopravvento e tutto finisce in tragedia. Il sospetto e la banalità hanno la meglio, la catastrofe si avvicina a ritmo di corsa.

L’idea, pare, è quindi di rappresentare una società maschilista, dove la donna dovrebbe donare speranza di rinascita, o per lo meno di sperimentare nuove possibilità, che verranno negate dall’imperante, capitalistica e machista società dei consumi e del sospetto, dove l’individuo è ingabbiato nella sua solipsistica soddisfazione dei bisogni personali. E per dimostrare questo non si risparmia nessuna freccia nell’arco della banalità. Il plot è di una sconcertante prevedibilità. Tutto è già nella testa dell’osservatore prima che qualsiasi fotone attivi la retina. È la più ovvia delle trame, costruita con le più ovvie delle battute. Tutto poteva ancora salvarsi se non ci si fosse presi troppo sul serio, se il grottesco o l’ironia avessero fatto l’ingresso in scena (per esempio Rodriguez o Tarantino al cinema sono campioni nell’ironizzare sulla banalità dei luoghi comuni del cinema di serie C), invece niente: in questo lavoro di Kronoteatro tutto è serio, tremendamente, anche quando si vuole alleggerire. Si vuole fare il discorso politico/sociale a tutti i costi con quattro idee e di quelle scontate. Un esempio virtuoso di tale processo di uso della banalità, illuminata da una graffiante ironia, è Carnage di Roman Polansky. Beckett o Jarry non li sto nemmeno a nominare.

Un vecchio, un uomo di età media, e un ragazzo. Tre villette a schiera stilizzate con un bel water in primo piano. Tra loro discorsi che possiamo sentire in ogni bar: spariamo ai negri che arrivano a rubarci il lavoro, quello con la barba è sicuramente un terrorista perché si lava troppo i denti etc. Ripeto: l’ironia o, al massimo, una seria critica sociale, addirittura l’assurdo avrebbero potuto salvare l’insieme. E invece si procede con il comizio.

La donna poi è ovviamente una donna delle pulizie, con tanto di scopa e straccio della polvere. Ingenuotta, fiduciosa, sciacquetta, frivola. Logicamente mica poteva essere un’astrofisica. Le piace ballare il latino americano, coltiva l’orto che non si sa più cosa mangiare tutto è veleno, vuole vivere sull’isola deserta ma con un ponte che gli amici poi mi vengono a trovare. E via di ovvietà.

I tre naturalmente la vogliono ognuno a modo suo. E visto che per lei sono solo amici, via con lo stupro. E poi, non contenti, se la mangiano. Colpo di genio finale, i tre water in scena, illuminati da dentro nel buio come a dire che tutto finisce in merda.

Già tutto questo basterebbe per stroncare uno spettacolo balordo. Ma non è tutto. Passiamo all’interpretazione. Nessuno degli attori in scena va al di là di un dilettantismo da strapazzo. Voci che suonano false come monete di latta, padronanza dello spazio tendente allo zero, un uso del corpo imbarazzante, nessuna scorrevolezza del gesto, tanto che emerge chiaramente l’idea di pupazzi mossi dall’alto. Niente è naturale. Tutto artificio. Si sente lontano un chilometro quella che Carmelo Bene chiamava: la puzza del creato. Siamo nel più triviale teatro di regia, quello scontato, quello da filodrammatica che però vuole fare le cose importanti.

Se poi si pensa che molti spettacoli di valore, creati da giovani compagnie che tentano nonostante le mille difficoltà la difficile strada della ricerca vera, combattendo strenuamente le difficoltà produttive e distributive del sistema cultura italiano, vengono costantemente osteggiati e negletti dalle grandi istituzioni, fa rabbia che il dilettantismo imbarazzante di questo spettacolo di Kronoteatro abbia tanta luce e visibilità. La catastrofe in arrivo è questa: dar luce alla faciloneria, abbassare il livello di qualità nelle programmazioni ospitando lavori di questo tenore non potrà che condurre al disastro. La qualità della ricerca, delle tecniche, del pensiero deve ritornare la priorità nelle scelte, perché se si continua a far compromessi al ribasso, si otterrà un deserto dove nulla potrà crescere. É prioritario tornare a riflettere non solo su materiali e tecniche, ma sulle funzioni dell’arte scenica. E nessuno mi canti il peana della leggerezza, perché anche quella, se ben fatta, necessità di qualità e precisione chirurgica. Va bene rivalutare Ed Wood, ma portarlo a paradigma di qualità mi sembra una innecessaria bestemmia.